ARTS

E’ uscito già da qualche mese, pubblicato da Ponte alle Grazie Editore, un agile e accattivante libro di Henning Klüver (158 pagine, 10 euro), dal titolo Leonardo da Vinci da tasca. Arte, scienza e vita di un genio italiano.

Si riscostruisce la figura del grande scienziato ed artista rinascimentale, alternando la descrizione di fatti noti e documentati alle tante curiosità che ne rendono ormai leggendaria l’immagine. Al di là dei misteri che avvolgono la sua vita e le sue opere, emerge così la fisionomia di un personaggio estremamente moderno.

La grande varietà di interessi coltivati, le intuizioni non sviluppate, le opere incompiute ricordano molto gli attuali percorsi della scienza e dell’arte, inclini, l’una e l’altra, ad un occasionalistico sperimentalismo (il che, per la verità, non è sempre un bene…).

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E’ dedicata al rapporto tra arte ed economia la mostra “Arte, prezzo e valore - Arte contemporanea e mercato“, dal 14 novembre al CCCS - Centro di Cultura Contemporanea Strozzina di Firenze.

Si parla sempre di più del mercato dell’arte gonfiato e prossimo alla bolla (che stenta ad arrivare per molti, che è già tra noi per altri), con prezzi d’asta stellari e opere commerciali fatte per scandalizzare e finire nelle riviste; con troppe biennali, festival, fiere e manifestazioni. La mostra analizza il fenomeno, che per quanto riguarda l’arte contemporanea non ha precedenti, e il sistema di produzione che è radicalmente cambiato negli ultimi vent’anni. Un mercato che richiede idee e opere nuove in continuazione, velocità di esecuzione, arte emozionale, per catturare l’attenzione di un pubblico abituato alla spettacolarizzazione.

L’esibizione raccoglie 22 artisti, tra i quali due degli autori colpevoli/vittime di questo sistema come Damien Hirst e Takashi Murakami, affiancati da Luchezar Boyadjiev, Marco Brambilla, Marc Bijl, Fabio Cifariello Ciardi, Claude Closky, Denis Darzacq, Eva Grubinger, Pablo Helguera, Bethan Huws, Christian Jankowski, Michael Landy, Atelier van Lieshout, Thomas Locher, Aernout Mik, Antoni Muntadas, Josh On, Dan Perjovschi, Wilfredo Prieto, Cesare Pietroiusti.

Fino all’11 gennaio 2009.

Arte, prezzo e valore. Arte contemporanea e mercato - CCCS - Firenze

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A whole generation of Europe literally died on the battlefields of World War I. The Italian Futurists, more than any other art movement of the time, lost many of their brightest stars to that conflict, perhaps none brighter than Umberto Boccioni. Born October 19, 1882, Boccioni is best known for his 1913 sculpture Unique Forms of Continuity in Space, which Italy chose to place on the reverse side of the Italian 20 cent euro coin, testifying to Boccioni’s enduring place in Italian art despite the shortness of his career and life. I’ve always found Boccioni to be as fascinating a painter as a sculpture, especially in such mysterious works as States of Mind III: Those Who Stay (above, from 1911). Borrowing heavily from the conventions of Cubism, which Boccioni learned firsthand from Pablo Picasso when the two artists met in Paris that same year of 1911, Boccioni explodes the bodies of the figures and tries to paint them from every angle at once. He complicates the issue by immersing the figures in a murky, blue-grey fog. Are these figures shuffling off to the afterlife or living beings caught up in the tempest of worldly events beyond their control? In retrospect, States of Mind III: Those Who Stay seems especially haunting in light of Boccioni’s tragic death in 1916 while training for combat, as if the artist saw himself as headed into a murky, indeterminate future.

Boccioni and fellow Futurist Gino Severini studied under Giacomo Balla just after the turn of the century. Years later, Italian writer Filippo Tommaso Marinetti united these artists under the banner of his Futurist Manifesto to worship at the altar of technology and relentless, mechanized speed. Works such as Elasticity (above, 1912) illustrate how Boccioni saw the twentieth century as a huge explosion of energy and expansion. The duty of the modern artist was to celebrate that technology and give it artistic form. Just as the religious artists of the past painted saints and saviors to teach the unlettered masses, Boccioni and his fellow Futurists would paint and sculpt the works that would teach the masses of modern Europe to bow down before the gods of industry and technology. The color and energy found in Boccioni’s works are simply too infectious for me to resist, so it’s easy to judge their contemporary appeal. Faith in the future, when the past lay scattered behind them beneath a sea of disappointment, seemed the logical next step in a world that had yet to taste mechanized, large-scale destruction.

It’s tempting to condemn the Futurists for helping spur on the Great War, just as it’s tempting to say that they got what they deserved in their own destruction. (Marinetti, ironically, survived almost to the end of World War II, immune to the war-faring fever he may have contributed to.) Pushing all the politics aside, however, you cannot deny the creativity behind such a work as Boccioni’s The Street Enters the House (above, 1911). Equal parts Cubism, Futurism, and even Surrealism, The Street Enters the House depicts a believable home invasion in which the outside becomes the inside and all boundaries are erased. What kind of artist a post-war Boccioni would have been is a great guessing game to play, but ultimately unanswerable. Boccioni is much more than just Futurism or Cubism, so forcing an older Boccioni to continue along a similar path denies the expansiveness of his life and art. Boccioni couldn’t stay long enough to demonstrate everything he could do, but he remained long enough to give us enough to remember him by.

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“Immature poets borrow,” T.S. Eliot once said. “Mature poets steal.” Domenico Zampieri or Domenichino wrestled with the giants of the Renaissance but ultimately gave up and embraced their influence. Born October 21, 1581, Domenichino must have looked up countless times at the Michelangelo’s ceiling of the Sistine Chapel, engraving the famous central scene of God breathing life into Adam. When Domenichino painted The Rebuke of Adam and Eve (above, from 1626), he inserted a clear copy of Michelangelo’s depiction of God trailing clouds of glory. It’s impossible to think that anyone would miss the reference, then or now. Domenichino clearly wants you to know that he loves the work of Michelangelo. Such “theft” isn’t really theft when it’s done in the open. In the Baroque period following the Renaissance, artists such as Domenichino had to choose sides—ignore the previous generation or continue its achievement in a new, fresh way. God clearly comes straight out of the Renaissance playbook, but the rebuke of the first man and woman clearly doesn’t. Michelangelo’s gentle depiction of their banishment from Eden gives way in Domenichino’s version to a more medieval, sinners in the hands of an angry God feel. Mixing the Medieval with the Renaissance, Domenichino brews up his own Baroque concoction.

Domenichino “stole” another figure from Michelangelo’s ceiling in his version of The Cumaean Sibyl (above, from 1610). Domenichino transforms Michelangelo’s brawny version into a more idealized type of beauty, but retains the exotic dress of the original, and maybe even exceeds it. Connecting Domenichino’s work to that of his predecessors brings out not only what he takes but also what he chooses not to take. In this case, you have a figure immortalized by Michelangelo, painted with the delicacy of Botticelli, but with the sensual coloring of a Raphael. Domenichino viewed the Renaissance world as a great buffet table from which he could choose freely and combine at will. Such practice was not only acceptable but encouraged. Students learned by copying from antique statuary during the neoclassicist craze of the Renaissance. Copying from those copyists seemed only natural.

Unfortunately for Domenichino, tastes and standards change. A clear homage one day becomes a pale imitation centuries later. John Ruskin raked Domenichino over the coals in his late nineteenth century writings elevating J.M.W. Turner to the heights based on his originality. Whereas critics once hailed works such as Domenichino’s Diana and her Nymphs (above, from 1616-1617) as beautiful examples of draftsmanship and fanciful painting of the human form, later critics saw only a mimicking of Leonardo da Vinci’s ideas on rendering atmospheric effects in landscapes. Only in the twentieth century did Domenichino regain a minor place in the pantheon of great Italian artists, yet still overshadowed by his Baroque contemporary, Caravaggio. Nicolas Poussin, who studied briefly with Domenichino, championed the master’s work verbally as well as visually—infusing many of his lessons on landscape into his own ethereal, natural worlds. Perhaps some day the pendulum will swing back and Domenichino’s works will no longer be seen as acts of thievery but as acts of devotion to his art.

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Ho trovato su Englishrussia questa bella galleria di foto di palazzi dei quartieri suburbani di Mosca. I muri grigi e tristi degli edifici popolari periferici si trasformano in grandi tele su cui si sbizzarriscono bravi e volenterosi artisti.

A dimostrazione di quanto la street art possa fare bene al paesaggio.

Street art nei quartieri suburbani di Mosca

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La visione surrealista di René Magritte applicata alla natura è il tema dell’importante mostra che Milano ospita a Palazzo Reale dal 22 novembre al 29 marzo 2009.

“Magritte. Il mistero della natura“, mostra curata da Michel Draguet, raccoglie cento dipinti, tempere e sculture provenienti dal Musées Royaux des Beaux Arts del Belgio (che possiede la collezione pubblica più importante al mondo delle opere del maestro), e da collezioni private, di uno dei pochi autori che ha posto al centro delle sue ricerche artistiche la natura in relazione all’uomo e al vivere moderno.

Per mostrare l’approccio surrealista applicato alla natura, si parte dai primi e inaspettati dipinti futuristi dell’artista per passare alle immagini del periodo fra le due guerre e arrivare alle pitture più famose realizzate dagli anni Cinquanta in poi. Questo dovrebbe permettere di vedere sia lavori noti ormai a tutti (come quelli inseriti nella galleria delle immagini), sia lavori meno conosciuti.

Tra i capolavori si potranno osservare “Souvenir de voyage” del 1961, ovvero la mela verde mascherata da carnevale e “L’empire des lumières”, la casa immersa nel buio di un parco con sfondo di cielo azzurro e nuvole bianche.

Magritte. Il mistero della natura - Palazzo Reale - Milano

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Il Phagoff, uno fenomeno artistico, culturale, nomadico dedicato alla libera espressione di identità e generi, anima le notti romane ogni due sabati da ormai circa quattro anni. Per il suo party del 18 novembre ispirato al tema “FACES” (le facce come spazio del racconto) ha ospitato il fotografo, artista e performer Jacopo Benassi. Lo ho intervistato per voi.

Jacopo Benassi nasce a La Spezia ne 1970, ma si trasferisce subito a Milano, dove vive e lavora. I suoi scatti, immagini che trasudano vita, tendono sempre a catturare, bloccandola, la naturalezza del volto o dell’oggetto che incornicia. Di recente, a sottolineare la sua poetica, esce infatti il suo primo libro “The ecology of Image“, progetto editoriale curato dall’agenzia di comunicazione 1861united: si tratta di 445 immagini ecologiche perché non ritoccate, non postprodotte, non patinate, non manipolate, non artificiali. Una scelta significativa e controcorrente, la sua, in tempi dove il “ritocco”, quello del chirurgia plastica e quello del photoshop, ha penetrato profondamente i tessuti della carne e dell’arte. Per la serata, in programma la mostra performativa “Elektroflash; USB.2″.

Per saperne di più sulla mostra, su questo interessante autore e sul suo singolare rapporto con le pantofole, continuate a leggere l’articolo e l’intervista. Ho inoltre inserito alcune galleria di foto sul back stage del Phagoff scattate durante l’allestimento: di questo fenomeno interessante e vivissimo, e dei suoi ispiratori, in testa Francesco Warbear Palmieri e Jemma Temp/Nikky, avremo modo di occuparci più da vicino nel futuro, proprio a partire dal loro dichiarato suicidio (come gruppo si intende) che avverrà più o meno fra un mese…

[Nella foto: Jacopo Benassi intervistato all’ingresso del Radio Cafè]

Jacopo Benassi intervistato al Phagoff - ingresso del Radio Cafè

Quando arrivo al Phagoff sono circa le 5:30pm, uno dei momenti più belli per vivere un evento: la sua preparazione.
E’ qui che incontro Jacopo, anche lui intento insieme agli altri ad attaccare foto, scegliendo la disposizione sulla parete del Radio Cafè, il locale ospitante. Il suo lavoro e la descrizione della performance mi avevano subito incuriosito, così gli chiedo se ha qualche minuto da dedicarmi per essere intervistato: il tempo, gradevolissimo, di montare l’esposizione e ci dirigiamo verso l’ingresso dove è più agevole parlare.

Jacopo si dimostra una persona disponibile e durante l’intervista mi colpisce per l’apertura, la semplicità e la sensibilità con cui mi descrive se stesso, il suo lavoro, il suo amore per gli uomini e le pantofole.

Chi è e cosa fa Jacopo Benassi?
“Sono un fotografo. Di moda… non proprio: la mia specialità sono i ritratti, e quello che faccio in realtà è difficilmente digeribile da quel mondo. Lavoro in ogni caso per diverse agenzie di comunicazione e magazine, tra cui Rolling Stone, e a marzo ho pubblicato il mio primo libro, “The ecology of Image”. La cosa che proprio non riesco a capire è come un’agenzia di comunicazione pubblicitaria abbia accettato di pubblicare un libro che di advertising, di pubblicitario intendo, non ha assolutamente nulla e con costi di produzione elevatissimi: le foto sono ritratti raccolti nell’arco di 10 anni, alcuni dei quali sono esposti oggi.”

Come sei arrivato a Roma e soprattutto, ci puoi parlare della tua performance di stasera?
“Sono arrivato qua perché Francesco Warbear Palmieri - a proposito, ho scoperto che si chiama anche “il Cichitone”, non lo sapevo… - conosce il mio lavoro e ha pensato di chiamarmi per questa questa serata dedicata alle facce e al loro racconto. Cosa porto. Beh, oltre allo spazio espositivo che abbiamo appena allestito giù, farò una performance, “Elektroflash; USB.2″. L’idea è quella di una mostra fotografica che all’inizio non esiste e che mano mano prende forma durante l’evento: fotografo i partecipanti, poi sviluppo e stampo le foto sul posto, in real time. Alla fine dell’evento ecco che la mostra viene fuori. Di solito per la performance utilizzo macchinari un po’ complessi, come grosse stampanti laser e fotocopiatrici, ma per il Phagoff faccio una cosa più piccolina e adattata alla location: una versione con le polaroid. 30 belle foto dovrei riuscire a tirarle fuori!”

Ultima domanda e ti lascio: le pantofole che comparivano a più riprese insieme ai tuoi ritratti sul muro del Radio Cafè. Perché?
“Ah! Le pantofole in realtà sono per me sono un feticcio sin da quando ero bambino: le lego alla sessualità e alla figura maschile - sono omosessuale -, mi piace fotografarle e ne possiedo un’intera collezione che custodisco in una grande scatola. Non le annuso, non le lecco: niente di tutto questo, ma per me hanno un fascino particolare e ne compro tante, per esempio quando vado in giro nei mercatini. Come quelle di Gucci che hai visto: quel paio l’ho comprato solo a 1 euro. E poi sai, il mondo delle pantofole è un mondo da scoprire… variegato, direi: pensa che le vendono anche usate su eBay! E infatti il prossimo libro a cui sto lavorando insieme al mio amico e artistaFederico Pepe, è proprio sulle pantofole: chissà se riesco a pubblicarlo. Vedremo, mi piacerebbe molto.”

E speriamo di vederlo pubblicato presto, non solo per la bravura e la sensibilità artistica di questo artista/performer/fotografo, ma anche per la spontaneità e il calore che è stato capace di mi trasmettermi durante l’intervista, nel suo inconfondibile accento milanese.

Di seguito due gallerie di foto scattate sul posto: nella prima Jacopo con le sue foto, nell’angolo espositivo appena allestito; nella seconda la preparazione dello spazio espositivo (fra gli altri, oltre a Jacopo, Nikky/Jemma Temp, Warbear, Kevin Pistone, tutti del Phagoff)

Iacopo benassi e le sue foto

Preparando l’esposizione insieme a Jemma Temp, Warber, Kevin Pistone e gli altri del Phagoff

Come ho anticipato, a venire approfondimenti e interviste per capire più a fondo il fenomeno Phagoff con i chi in questi quattro anni lo ha reso un brand e un network di successo, un’esperienza artistica e culturale viva e di rilievo e, soprattutto, uno spazio reale di libertà di espressione, non solo per il popolo glbt: come recita alla fine il testo introduttivo della serata, “Non credere al botox, vogliamo le tue rughe“.

[Qui e qui due gallerie di foto “Phagoff facial experience” direttamente dal party del 18 ottobre]

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October is National Art and Picture Framing Month. I would like to highlight and thank the artists, Alison Levson, Dan Tatum and Karen Putnam, who donated their artwork for the Arts and Crafts Framing Classes at Redstone Arsenal. Their artwork is also on display at the Arts and Crafts Center and the Redstone Rocket also featured them in it’s publication.

Title of Artwork: Tahoe, copyright 2008

Artist’s Statement: Alison Levson

The most common question I get from my customers is “How long have you been doing art work?” The answer is - as long as I have been able to hold a pencil or paintbrush. I have studied art all of my life, as well; e.g., self study, art school, and from many other artists. Attempting to convey the emotions I feel personally from a particular scene, as well as the emotions of my portrait subjects, is my overall goal in my works. Art and music have always been my major emotional outlets. Perhaps viewing my work will allow others to experience the same wonder and amazement of life that I do.

Contact Info:
Artist, Alison Levson
215 Concord Dr., Madison AL 35758
256-975-1975 or 256-726-0584 or
levson57@knology.net

Title of Artwork: World War II Memorial, Atlantic, Washington, DC, copyright 2008

Artist’s Statement: Dan Tatum

I am a creator. I am an artist. I believe every human is created to be a creator in the image of God. I create because that is who I am. One of the ways to express my creativity is to use my talent as an artist. As a child I made things that I had seen in books, magazines or elsewhere such as toys and puzzles. As a teen, I made amateur rockets, hot air and natural gas balloons, and model airplanes and automobiles. As an adult and an engineer manager, I participated in projects that
made weapons systems for our national defense. I also developed into the “office artist” where I created images of co-workers careers visually thru caricatures that not only depict their images but their personalities, lives and careers. After being retired for years, I still get calls from the old office to “do one more.”

As I stand before my easel as a creator and an artist, the paper is without form and void. It is usually very intimidating. On the paper through the media of watercolor or pastel I often create images of wondrous places I’ve been blessed to visit and see. Other times I create images of what could be and invite the observer to see from a
different perspective. As I grow and go on my art journey, I am encouraged and taught by those who have made the journey before me as well as my peers and of those who see my work and compliment it and especially those who want to have it as their own.

As an engineer, I dealt in absolutes. In art, I deal mainly in expressing emotions through 2 dimensional stokes of color on paper. I enjoy using my artistic license to depict people, scenes, and things not necessarily as they are but as I choose them to be. Like many other things in life, talent cannot be taken with you when you die. Use it and leave it here.

Contact Info:
Dan Tatum
Huntsville, AL
256-536-6301
gdantatum@comcast.net

Title of Artwork: California Sunflower, copyright 2008

Artist Statement: Karen Putnam

I love the sensuous color of oil and its forgiving workability. I am currently working in a realistic style dating back to the Renaissance, which employs many glazes of color over a toned drawing. I also work in pen and ink drawings, which can be embellished with watercolor. This style is also historic, a common practice during the Eighteenth Century.
I have found colored pencil work as another discipline that stretches the drawing muscles. The effects of colored pencil are amazing although time consuming.

My background is in teaching. I worked to develop a documented “art for young ladies” demonstration at Colonial Williamsburg where I interpreted for five years. I participated in a program to bring the art experience to teen-aged mothers in New York. I have also taught classes in several media at the Madison Senior Center in Alabama. I also exhibit my artwork.

Contact info:
Karen Putnam
120 Silver Creek Circle, Madison, AL 35758
256-325-4755 or cuputnam@knology.net

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Again, THANK YOU Alison, Dan and Karen for donating your artwork and participating in the National Oct. Art and Framing Month events at the Redstone Arts and Crafts Center.

For more information please contact:
June M. Hughes Military & Civilian Arts & Crafts Center
Bldg. 3615 Vincent Dr. Redstone Arsenal, AL 35808
Tel. (256) 876-7951 or redstone-mwr.art@conus.army.mil
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If you have access to Redstone Arsenal you might be interested in this:

Picture Framing 101

Redstone Arts and Crafts Center

November MATTING & FRAMING CLASS

Matting & Framing for Beginners – Instructor – Gina Hurst, Certified Picture Framer.

Framing 101: The mechanics of picture framing, products, and services to include, but not limited to, the frame, matting, mounting, glazing and fitting. Cost: $50 to include supplies. Artwork donated by award winning artists

Pt. I. & Pt. II., 18 & 20 Nov., 6:00 -8:00 PM

Signup deadline Oct. 25

For more info please contact The Arts and Crafts Center at (256) 876-7951
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